domingo, 17 de junio de 2012

¿Algo más que decir?

Como resumen muy muy resumido de todo lo que he sentido y experimentado a lo largo de estos 4 meses cabe decir que he aprendido a valorarme como 'artista' cosa que nunca antes había hecho, he aprendido a valorar mi trabajo ( no solo desde el punto de vista negativo) y a estar conforme con él.
Me he encontrado con muchos problemas a medida que iba realizando mis trabajos, pero sobre todo he aprendido a analizarlos y a solucionarlos como buenamente he sabido.


He decidido embaucarme en otro proyecto personal para este verano, a raíz de mis 'pendants' minimalistas, así que 

Continuará....

miércoles, 13 de junio de 2012

Memoria, inicio y final.

Difícil tarea decido encomendarme intentando resumir y esquematizar todo un cuatrimestre en una entrada de blog, verdad?


Pues allá voy, a intentarlo, empezando por el principio como debe ser.
Empecé el cuatrimestre con muchas esperanzas puestas en mi misma, y con una meta que en ningún momento debería olvidar, ''mantener siempre la situación bajo control a la hora de llevar un trabajo a cabo, sabiendo lo que quiero hacer y cómo lo voy a hacer y sobre todo, disfrutar lo que hago''.

Lo más importante y como el nombre de la asignatura dice, aprender a seguir una metodología a la hora de realizar un trabajo y sobre todo con vistas en un futuro, siempre con la suposición de que lo que llevaríamos a cabo podría ser (porque no) un encargo a una galería o a un particular.
Lo que quiere decir que debemos seguir unas pautas que la mayoría de nosotros ( o por lo menos yo ) nunca lo había llevado a cabo.

-La idea de lo que queremos hacer y cómo lo vamos a hacer (material, técnica, formato, soporte...)
-El estudio y maduración de dicha idea ( bocetos, encaje, pruebas de color...)
     En este apartado entra la capacidad de elección de cada uno, lo que más nos guste, lo que mejor                                                                                             quedaría.... Pero sobre todo, la capacidad de admitir los errores y saber rectificarlos.

-Proceso de realización y finalización....  Como ya he dicho antes convivir con los errores que cometamos y saber rectificarlos o por lo menos intentarlo pero sin duda alguna una de las cuestiones que más me ha costado es ''está tal y como quiero y por lo tanto lo considero acabado'' pues a día de hoy me cuesta considerar que no quiero tocar más un cuadro, pues con el paso del tiempo y conforme voy aprendiendo se me ocurrirían nuevos detalles que añadirle o mejorarle... pero supongo que sin eso no existiría un proceso evolutivo.



Las primeras sesiones las dedicamos a retomar un poco el dibujo, el estudio anatómico de los modelos del aula, pues el primer trabajo consistiría en una composición en la que tratar la figura humana en un ambiente que no le corresponde.

Bocetos y apuntes ( línea, mancha y volumen )
Realizados con papel de dibujo, estraza, acuarelas, tintas y bolígrafos.








De este último apunte surge la idea para mi primer trabajo.
Temple al huevo en 40F imprimado con texturas aplicadas con espátula.





El segundo y tercer trabajo serán dos partes que forman un proyecto personal y libre.
Tema mínimal y abstracto..
Óleo en 40f y 25f sin imprimar.







4º trabajo. Otro proyecto personal, en este caso para compaginar y tratar varios campos de material y técnica me decanto por una pequeña serie de acuarelas.
Papel arches en a3, acuarela.








ÚLTIMA VISTA.

Tras la primera corrección y tratar con el profesor los aspectos que más me disgustaban me propuso mejorar algunos detalles de mis trabajos, en concreto de los dos cuadros.
Me pongo manos a la obra lo antes posible.
En el primer trabajo modifiqué los tonos del bordillo y el asfalto, oscureciéndolos y dándole más unión a la composición y la atmósfera.





En el segundo y tercer trabajo mi única pega fue la limpieza de algunos planos, en el corte de los mismos pues al ser la base del proyecto la limpieza, quería maximizar esa característica, muy propia del minimalismo y de la pintura apoyada en nuevas tecnologías.








Después de 4 meses hago balance, lo positivo con lo negativo, las cosas que he aprendido,l as que me llevo y dedicaré a recordarlas para futuros proyectos, los malos momentos pero también los buenos, los sentimientos de impotencia y desesperación quedan tapados por los de superación y reencuentro conmigo misma y con un estilo en el que me siento muy cómoda.
La recuperación del color y la forma y sobre todo, el sentirme a gusto con lo que estoy haciendo y no ponerme límites a las primeras de cambio.




PD(Esto es solo un pequeño resumen del trabajo, para ver todo el contenido y material fotográfico visitar entradas anteriores)



Curioso como mínimo.


Nubes reales en el interior de una galería

'Nimbus II' Las nubes del holandés Berndnaut Smilde (Groninga, 1978) tienen una vida efímera y  permanecen suspendidas en la habitación vacía, como en una fantasía surrealista de René Magritte o en la escena ilógica de una película de David Lynch.
La performance fue especialmente creada por el artista para la galería Probe de Arnhem (Holanda) .  Sin retoques ni manipulaciones fotográficas, el artista fue capaz de producir cúmulos y nimbos en espacios cerrados regulando la humedad y la temperatura de la sala y aplicando después una pequeña ráfaga de vapor con una máquina de humo. El resultado del experimento son nubes pictóricas, de esas que al recibir la luz del sol causan el efecto visual de ser suaves y redondeadas, como de algodón, que suelen anunciar tormentas.
'Nimbus'
'Nimbus'
Alrededor se adivina el vapor y debajo se agrupan pequeñas gotas de rocío. El efecto de la creación artificial dura sólo unos instantes en los que Smilde aprovecha para fotografiar el milagro y dejar que los asistentes se maravillen ante una visión tan singular.
Smilde, lejos de causar extrañeza, empezó a gestar la idea para recrear un tópico de los dibujos animados, “una visualización de la mala suerte”: el del personaje con la lluvia sobre la cabeza, empapándolo sólo a él, representando al gafe. “También se puede interpretar como un elemento salido del paisaje de un cuadro holandés colgado en la clásica sala de un museo”, dice en una entrevista para la galería que vio nacer las nubes en su interior.

lunes, 11 de junio de 2012

Como 4º y último trabajo de la asignatura, y alejándome un poco de los otros campos tratados hasta ahora y con más poco tiempo que otra cosa me pongo manos a la obra.

No había tratado acuarelas desde bachiller, donde se podría decir que es a lo único que nos dedicábamos.. Un poco en memoria de esta época también he decido realizar esta pequeña serie de acuarelas basándome en lugares emblemáticos de mi ciudad, Almería.

En papel de arches (acuarela) me pongo a dibujar, realizo la proporción, encajo las lineas de referencia y tras ello, a pintar!!



Antigua estación de tren..



La alcazaba.



Cabo de gata.

Me gusta realizar este tipo de series de acuarela por su frescura en las pinceladas no previstas ni sobadas, pudiendo emborronar, dibujar o texturizar la superficie.
Son pequeños estudios de color y de efecto óptico.

Una base de colores pastel, ocres, verdosos y azules, añadiendo progresivamente sombras y pequeños detalles para acrecentar el realismo, un realismo fugaz como en el impresionismo, periodo que me ha servido de apoyo desde siempre para el uso de la acuarela.



                                                                 Impresión, sol naciente
                                                                                       Nenúfares (Monet)



Acabo esta pequeña propuesta muy contenta por haber recuperado esa sensación tan constructiva que me surge trabajando la técnica de la acuarela y el recuerdo con cariño de mis primeros trabajos en el mundo del arte, se podría decir que esto es un pequeño homenaje a mis inicios,

Un pequeño homenaje a mi misma.






2ºTrabajo

Evolución y desarrollo.

Tras el encaje y la primera prueba de color en el formato definitivo decido cambiar algunas cosas.


Mi prioridad en este trabajo van a ser los colores, dónde colocar cada uno de ellos y qué pincelada ofrecerle, así pues... Las primeras pruebas de color no me convencen, quiero más fuerza y más contraste, tomo buena nota de ello y me pongo manos a la obra.

Saco mis óleos del baúl de los recuerdos, y me pongo manos a la obra, carmín granza, ocre y prusia pasarán a ser primordiales en mi día a día, aguarrás y paletínas varias, pero uno de los materiales más importantes a la hora de realizar este trabajo es la cinta de carrocero y las espátulas flexibles (imprescindibles) 
pues una de las características principales de la composición es su rigurosidad geométrica y esos materiales me ayudarían a conseguir unos planos limpios y rectos.

Llevando el trabajo mucho más centrado en la opinión del profesor, al contrario del primero, que decidí ser mas autónoma, en este no quería cometer los mismos errores y no poder corregirlos, así pues he ido variando pequeños detalles de la composición conforme al trabajo.




Me siento muy identificada y motivada con mi trabajo, estoy plasmando exactamente todo lo que quise la primera vez que pensé la idea, he sabido compaginar los colores en su grado de intensidad, he aprehendido a funcionar en dos dimensiones ( sin profundidad ) pero dividiendo en planos según la factura en cada uno.

Doy mi trabajo por finalizado pero tengo más ganas de seguir con el mismo tema...
Puesto que aún me quedan un par de sesiones decido realizar una pequeña ampliación al trabajo, una segunda parte.


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Tras comentar con el profesor me da el visto bueno, estudiamos las medidas adecuadas, pues tampoco quiero atreverme demasiado y no poder acabar para la fecha prevista, el tamaño elegido será 80x60, también lo trabajaré en óleo.

Realizo un estudio compositivo y me planteo una unión, una continuación de la composición en el nuevo trabajo, el elemento de unión será 'snake', el juego de lineas verdosas que recorren todo el cuadro, muriendo en esta nueva segunda parte.


Uno de los consejos que el profesor me da es usar el corte de una parte a otra como una linea más de la composición para dividir los colores de los planos, pues yo en un primer momento pretendí continuar los mismos colores, difícil trabajo por otra parte.




Mi mayor temor era la elección de color, quiero contraste pero que mantenga el equilibrio, que la composición no se caiga por el color.

Continuo mis pruebas sobre el soporte hasta que finalmente me decido.


Suavizo los tonos dando pequeñas pinceladas aclaradas progresivamente, lo que dará un aspecto como nebulosa o filtro, dejando entrever la veta de la madera y el color inicial.
 Así como añadir las luce y oscuros de la sombra que el elemento 'snake' ejerce sobre los planos de fondo.





A dos sesiones de la entrega tomo una decisión, para mi la más importante de todas..
El profesor me sugiere que debería continuar la linea roja-gris en la nueva ampliación, sin miedo la realizo, con una pequeña modificación, serán dos lineas independientes pero que en conjunto funcionarán, si las por partes son separadas ( como cuadros independientes que son ) funcionarán a la perfección manteniendo el equilibrio color/forma.




El último detalle será añadir una pequeña textura al rojo intenso, con pincelada gruesa y óleo blanco, para incrementar la electricidad de la composición y los colores y no se rompa por la sobriedad de dicho elemento.



Tras la revisión , decido hacer balance, lo muy satisfecha que he quedado con mi segundo trabajo compensa los ratos de desesperación e impotencia.
He superado lo que yo creía mis posibilidades y he obtenido el resultado que busqué desde un primer momento.


Resultado.






martes, 5 de junio de 2012

Trabajo II

Estudio de forma y color.


Continuando con mi estudio del segundo trabajo y con muchas ideas cociéndose en mi cabeza me pongo manos a la obra, cojo reglas, papel y lápiz y empiezo a realizar numerosas combinaciones sustentadas en grandes planos y curvas unidas por un pequeño juego de formas entrelazadas en la que curiosamente me inspiré en el conocido juego 'snake' en el que el propio espectador el que crea la forma el recorrido.




Tras realizar varias pruebas de formas y juegos geométricos muestro mi idea al profesor, está conforme y comparte mi idea, me aconseja que realice varias pruebas de color, puesto que al ser una composición minimalista y plana el fundamento será el color y el tratamiento que le dé al mismo.

Este es con el que quedé más convencida desde un primer momento.




En una cartulina blanca aplico el color, mancha de acuarela y pastel, sin textura alguna, sobre la tabla me plantearé este apartado.

Hay algo que no termina de cuadrarme......
Decido dar un gran giro.



EUREKA!!!

Tengo la 'rara' costumbre de siempre que se me pierde algo o algo se cae al suelo me agacho y giro la cabeza, y no se si por casualidad pero siempre lo termino encontrando.
Quizá porque cambiamos el punto de vista nos centramos mejor y nuestra capacidad de observación es mejor? Quién sabe, pero la solución estaba ahí, delante mía, solo tenía que saber mirar.

La composición se centra en la linea continua, llamemosla 'snake' con un degradado constante en todo el recorrido, distintas tonalidades de verdes, en los puntos más claros tirando a amarillo.
Los planos del fondo van contrastados, para evitar el apagamiento y la poca luminosidad en la que siempre tengo tendencia a caer.

El equilibrio lo consigo gracias a la luna creciente que permanece en segundo plano, apoyada en uno de los planos y con sus extremos colaborando en diferenciar lo más cercano al espectador, las figuras que se superponen una a otras.

La linea que corta el cuadro de arriba a abajo en el extremo le da más apoyo, contraponiéndose al otro extremo de la composición.

He procurado que las esquinas de los planos queden visibles, añadiéndole juego a esa especie de profundidades inexistentes.

Es muy difícil conseguir el color exacto con acuarelas y pastel, pues son mucho más fuertes y fluorescentes de lo que busco para mi trabajo, así pues, realizaré pequeñas pruebas de color en el formato definitivo.



Será un 40F en madera, sin imprimar, para usar la propia textura y la forma de las vetas para en algunos planos entreverlas, la técnica será el óleo, una vez más jugando con el contraste respecto al primer trabajo (tema totalmente distinto, imprimado, texturizado y realizado a la técnica del temple)


Anímicamente, empiezo este trabajo con mucha moral por la solución al otro trabajo, en este emprendo un proyecto personal deseado desde hace mucho tiempo.

sábado, 2 de junio de 2012

Bosquejos de un segundo trabajo.

Para el estudio profundo y de creación del segundo trabajo de la asignatura voy a subdividir varios niveles.


1ºAntecedentes Históricos:


Como bien dije en unas entradas anteriores sobre Peter Halley...
''A mi parecer la unión perfecta entre color forma y composición.''


Esa fue la base principal a la hora de plantearme un segundo trabajo.
Buscaba el opuesto al primer trabajo, adiós figuración, modelos, temple y  pincelada fina.


''El arte abstracto usa un lenguaje visual de forma, color y línea para crear una composición que puede existir con independencia de referencias visuales del mundo real.''

Eso es!!! Hacía mucho tiempo que quería tratar la abstracción y el minimal, la capacidad de componer con meros planos de color llenos de vida.

Planteé una primera propuesta general sobre el tema al profesor, el cual me aconsejó varios autores, que han servido de auténtica fuente de inspiración

Frank Stella- En el cuál me insistió mucho, Es una figura destacada del minimalismo y la abstracción postpictórica y uno de los máximos representantes de la abstracción geométrica y constructivista que preludia el arte minimalista. Sus pinturas-relieve han ocupado un papel fundamental en el desarrollo de la vanguardia norteamericana.







Peter Halley- Con el que me he sentido más identificada desde un primer momento, conocido por su pintura geométrica, efectuada en colores intensos de tipo day-glo.Su actividad pictórica se suele relacionar con el minimalismo, el neo-geo y neoconceptualismo.





Sarah Morris- Es una artista joven, la cual he considerado 'arte de nuevas tecnologías'.Su pintura con gran entramado y uso de complementarios, mucho color y muchos planos para dar profundidad en dos dimensiones.




He iniciado un proyecto personal, de gran atractivo visual y mucho color, geométrico y mucha fuerza compositiva.
Con el ánimo de haber sido capaz de solucionar mis problemas con el anterior trabajo en este he decidido tomar otra actitud, procurar que nunca se me vaya el trabajo de las manos, llevándolo a mi terreno y confeccionándolo de la forma que más me gusta, la que más me atrae.



Hola y adiós al trabajo I.

Tras una charla con el profesor sobre mi actitud negativa respecto al primer trabajo decido replantearme muchas cosas, mi ánimo está por los suelos, psicológicamente muy tocada y fisicamente algo también.. empieza  a acusarse la rutina y no quería llevar hasta el último momento esta traba.

Un día como cualquier otro me armo de valor, y resalto lo de 'un día como cualquier otro' porque se que podía haber tomado esa decisión mucho antes.. pero las cosas se ven distintas ahora que todo marcha bien.
Lo dicho, el miedo a 'cagarla más' no me iba a detener.


Para este trabajo lo había intentado todo.. puesto que en estos momentos no considero tener un estilo personal había ido buscando un poco los estilos históricos, la forma de pintar de los grandes artistas, realismo,impresionismo,expresionismo... pero nada de eso es lo que necesitaba para reavivar mi trabajo.
Basándome un poco en el hieratismo humano y la órbita fauvista empiezo a meter planos y manchas con mucho colorido, todo muy estridente, sombras rojas, azules y verdes...





El hieratismo me ayudaría a mantener esa posición de perfil de la cabeza de la figura, como si de un dibujo egipcio se tratara, a contraste con el cuerpo con mucha más perspectiva y posibilidad de trabajarlo.

Nunca había usado complementarios en un cuadro, más bien por la misma raíz de siempre, por el miedo pero esta experiencia me ha enseñado que a veces ; como en la vida misma; cuando ves que no hay solución y pierdes ese respeto es cuando encuentras lo que realmente llevabas tanto tiempo buscando.

Igualmente tampoco quise arriesgarme demasiado, pues dentro de las posiblidades de tiempo y dedicación creo que lo correcto sería ir poco a poco.

Y así fue como obtuve el resultado...






En contraposición con el segundo cuadro he querido usar distintas técnicas, materiales, distinta forma de pintar, así como variar en recursos pictóricos.
Por lo que desde un primer momento esta obra me pedía texturas y yo no iba a ser quién para no dárselas pues es una de las posibilidades que más me ha atraído desde siempre, la carga de materia.

Manteniendo los tres niveles o profundidades en los que considero que se basa mi cuadro quiero buscar otras impresiones, un fondo menos definido, non-finito , los arboles que sirven de enlace cargados de materia y texturización y la figura humana más trabajada a niveles de colorido.
Como si de una auténtica pirámide de niveles o jerarquía se tratase.

Una vez resulta la figura humana decido hacer lo mismo con los arboles, paleta en mano empiezo con arrastres, como si de auténtico modelado se tratase.
Colores y más colores. Esa era mi intención principal, y a primera vista es difícil percatarse, pero para ello existe ese magnífico invento llamado zoom y que yo tanto uso, pues no siempre lo importante es lo que se aprecia a primera vista.








Finalmente como pequeña, humilde y sincera conclusión a día de hoy solo puedo decir que soy consciente de que no he realizado una gran obra, que quizá no es el típico trabajo que un alumno realizaría, y ni mucho menos es uno de los mejores trabajos que haya podido realizar hasta este momento..
pero para mi eso ha quedado en un segundo plano, para mi lo realmente importante en este trabajo es que he conseguido superarme a mi misma, superar mis miedos y temores mentalmente hablando, no quedarme encasillada en lo cómodo( que hubiera sido empezar un trabajo nuevo).

Pero no quería echar por la borda todo el esfuerzo puesto en cada pincelada, en el estudio previo, histórico,académico, y del color.

Como ya he dicho anteriormente, no vamos a clase únicamente a adquirir valores académicos, sino más bien valores morales, valores de superación y constancia, valores de capacidad de asimilación y rectificación
y lo más importante... La necesidad de todo artista de llegar a sentirse conforme con su trabajo y yo puedo decir, que lo he conseguido.